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Marco Caminero fuera celebración 100 años Estrellas Orientales

2010-12-15T10:31:00.000-08:00

SAN PEDRO DE MACORIS.- En un hecho sin precedente en la historia artística de esta ciudad, el reconocido merenguero petromacorisano Marcos Caminero, será dejado fuera del programa de celebración del Centenario de Las Estrellas Orientales.

Según se ha sabido los organizadores de dicho centenario, han optado por traer a la celebración el próximo viernes a Juliana, un Bachatero y supuestamente al conocido reguetonero petromacorisano Vakeró, pero no está incluido Caminero, quien incluso fue reconocido por el Ministerio de Cultura como uno de los creadores de temas carnavalezco.

Se ha sabido que Caminero iba a interpretar dos temas musicales durante el juego que eran Macoris del Mar y Caña Brava, y después de concluido el partido amenizaría una fiesta en el parqueo del Estadio Tetelo Vargas.

Se ha dicho de parte de los organizadores de la celebración del Centenario de las Estrellas Orientales, que el popular artista, quien ha creado varios temas alusivos a las Estrellas Orientales, pidió la suma de 100 pesos por las dos actuaciones, versión que ha sido negada por el reconocido artista petromacorisano.

Sinfónica Juvenil rinde homenaje Taiwán

2010-11-20T04:02:00.000-08:00

SAN PEDRO DE MACORIS.- Con la asistencia del Vicepresidente de la república Rafael Alburquerque y el embajador de Taiwán Isaac Csai, la Vice alcaldesa Salvadora Sabino, el presidente de la Sala Capitular Víctor Fernández y un selecto público de esta ciudad, fue efectuado un concierto de gala de la Orquesta Sinfónica Juvenil “maestro Julio de Windt” de SPM.

El concierto en honor a la República de Taiwán, se llevó a cabo en el salón Don Francisco Comarazamy del Ayuntamiento de este municipio cabecera, en donde los más de 30 jóvenes componentes de dicha sinfónica, hicieron gala de su superación musical, interpretando temas como La Pantera Rosa, Noche de Paz y dos merengues uno de la autoría del petromacorisano Bienvenido Bustamante y otro del maestro Rafael Alberti. La orquesta estuvo dirigida por el destacado músico petromacorisano Wilfredo Arrendel.

El acto se inició con una breve ceremonia privada, realizada en el salón América Bermudez, en donde la Fundación San Pedro entregó pergaminos de Reconocimientos al embajador de Taiwán en el país Isaac Csai, a la señora Olga de Alburquerque, esposa del Vicepresidente de la república y a la presidencia en la persona del segundo mandatario Doctor Rafael Alburquerque.

En esta breve ceremonia fueron presentados al público los instrumentos donados por Taiwán a la sinfónica, en donde el presidente de la Fundación San Pedro, Doctor Carlos Juan Musa Hazim, que tiene a su cargo la banda musical, agradeció el apoyo recibido tanto por el vicepresidente y su esposa, así como por la embajada del referido país.

Después del concierto que contó con la ejecución de unas 8 piezas musicales, fue efectuado un brindis a los asistentes y los funcionarios municipales y otras personalidades pasaron a degustar de un ágape en el salón América Bermúdez.

Sociedad 11 de nov. celebra 57 aniversario

2010-11-17T09:51:00.000-08:00

SAN PEDRO DE MACORIS.- Con la asistencia de personalidades amantes del arte y la cultura de esta ciudad, la Sociedad Recreativa y Cultural 11 de Noviembre celebró su aniversario número 57 en el salón Don Francisco Comarazamy del local que aloja el ayuntamiento de la Sultana del Este.

El acto estuvo presidido por su mentor y presidente don Angel Valera de los Santos y desfilaron en el escenario más de 20 artistas entre los que contaron el Coro Infantil Municipal, que lleva el nombre de "Angel Valera de los Santos".

Los Hermanos Davidson y Chirinoel Reyes, fueron parte de la atracció artística de la noche, ya que con apenas 8 y 10 años ejecutaron a piano de forma magistral, varias piezas clásicas, que arrancaron emotivos aplausos de los presentes. La cantante Mirtha Zapata tuvo en el escenario, lo propio que José Boeba, Cristina Aquino, el conocido Capy Daguendó, quien hizo varias piezas ejecutadas con su violín.

Las palabras de bienvenida del acto estuvieron a cargo del sñor Angel Valera de los Santos, quien resaltó los grandes momentos de gloria de la referida entidad.

Cabalgando en la poética de Perdomo

2010-11-15T17:01:00.000-08:00

SILENCIO DEL OLOR

Doncella de insomnios
con parpados de duelo,
ya no blandes tus macizos
curtidos de soledad,
tu cintura casi cóncava
va dormida en el silencio
de tu lecho.
No más crujidos de la puerta
con el beso a hurtadillas
entre la oscuridad de tu espejo
y el viejo ventilador.
No más gemidos mudos
y entre cortados.
Cada una vez, era otra vez,
cada dos veces, eran dos más.
Ya no escucho el canto de los sueños
apostados en los poros de tu piel
ni beso la humedad censurada
de tus pecados concebidos,
Entre nosotros,
solo sueña el olor.

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COMO PENDULO SIN DESCANSO

Ese camino pesadumbroso que recorro
entre el Cosmos y el Infinito destemplado
consumiendo cada gota de paciencia,
en mi intimismo solitario y sublevado.

En él se retuerce mi creación irreverente
que deambula entre el principio
y el final de mi flecha rota.

No soy ni más alto ni más pequeño
en ese sendero que arrastra mis metáforas
a lo indeciso,
a las aguas de los afluentes de mi mundo sideral.

Arrimo mi péndulo arrítmico
entre tantas dudas que se desdoblan
en un fugaz mundo de bisutería y petulancia.

Vago sin descanso
entre ese Cosmos y el Infinito destemplado
aunque allí quisiera descansar.

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GARZA BLANCA

Ya no vienen
las largas sinfonías
de góndolas níveas,
las que en el ocaso
concluían su danza de plumajes
vistiendo la paz
sueño de los mortales,
dibujando en las alturas
la vereda trunca
del Dorado manto.
Tan mansas y tan puras.
Tan tristes y flamencas.
¡Blanca Diosa del crepúsculo!
Muriendo de volar
sin tener un nido.

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VIENTO

Vuelas sin alas en el pecho
de tu susurro al oído
temo de tiempo en tiempo
de tu roce en mi piel
un placer
y un pavor tremulante se siente
las hojas secas vienen y van
con tus encantos
¿Y si tuvieras alas?

Ramón Perdomo

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Cabalgando en la poética de Ramón Perdomo

Por: Licenciada Ana Teresa Martínez.-
Para entender la poesía del escritor Ramón Perdomo, poseedor de una sólida cultura intelectual y de una vasta experiencia, debemos navegar en el océano poético de un autor de una profunda percepción, una rica imaginación creadora y de una gran sensibilidad. Este poeta pone de manifiesto un haz de figuras metafóricas que traspasan los linderos de una imaginación natural, donde con maestría desviste sus sentimientos.

En la poética de este autor se ve manifiesta una riqueza de sensibilidad innata que le llena el alma de sensaciones productoras de nutridos sentimientos, que de manera conciente o inconciente desnudan la manifestación de lo que siente en la hondura de su ser. Así vemos, en su poema Como péndulo sin descanso dice:

“Ese camino pesadumbroso que recorro
entre el Cosmos y el Infinito destemplado
consumiendo cada gota de paciencia
en mi intimismo solitario y sublevado.”

Y cuando en Silencio del olor expresa:

“Ya no escucho el canto de los sueños
apostados en los poros de tu piel
ni beso la humedad censurada
de tus pecados concebidos.
Entre nosotros,
solo sueña el olor.”

Tratar de penetrar en el contenido de sus versos, es como querer hoyar el fondo del mar en búsqueda de ese tesoro escondido que solo el autor puede encontrar y expresar con esa riqueza de sensaciones subjetivas manifestada con holgura en sus versos cargados de imágenes y figuras literarias sombreadas de una enigmática expresión, nacidas de su sentir intrapersonal.

Queda expuesta en este autor, una agudeza de la razón que junto a la delicadeza de su sensibilidad, la facilidad para intuir y plasmar las ideas, y esa desarrollada imaginación, lo convierten en un poeta poseedor de las cualidades que debe tener todo buen escritor.

Una rica imaginación reproductora queda al descubierto en todos los versos de su poema Garza blanca:

“Ya no vienen
las largas sinfonías
de góndolas níveas,
las que en el ocaso
concluían sus danzas de plumajes
vistiendo la paz”

y es notoria también su imaginación creadora en el poema Viento:

“Vuelas sin alas en el pecho
de tu susurro al oído
temo de tiempo en tiempo
de tu roce en mi piel
un placer
y un pavor tremulante se siente
las hojas secas vienen y van
con tus encantos
¿Y si tuvieras alas?”

Definitivamente podemos afirmar que Ramón Perdomo es un poeta, donde en sus versos, que nadan en una versificación libre, encontramos una notoria musicalidad cargada de simbolismo, manifiesto en el uso de un lenguaje puramente metafórico impregnado de misterio.

Luis Leonor lleva su arte a Florencia

2010-11-13T07:23:00.000-08:00

PETROMACORISANO EXPONE EN FLORENCIA, ITALIA

SAN PEDRO DE MACORIS.- Luís Leonor, artista plástico dominicano (petromacorisano) residente en los Estados Unidos, expone sus cuadros en la ciudad de Florencia, Italia, como parte de la colectiva titulada “A new Day” de la que forman parte otros prestigiosos artistas.

La colectiva, en la que están representados más de 15 países, tanto de Europa como de América Latina, quedó abierta al público desde el día ocho de noviembre, en el auditorium Duomo, de la misma ciudad.

El artísta Leonor, quien es el presidente del Colegio de pintores de la Sultana del Este, está en dicho evento en representación de la República Dominicana.
“Uno de los propósitos de esta muestra colectiva es llamar la atención sobre el tráfico de niños en varios países de Europa y el mundo”, dijo el artista, nacido en San Pedro de Macorís. La organización está a cargo de la institución sin fines de lucro Vivid Arts Network con sede en Nueva York.

Luís Leonor, pintor, poeta y fotógrafo, ligado al arte desde hace más de tres décadas de manera consecutiva, reside en Nueva York desde hace varios años. A través de sus pinturas ha desarrollado un estilo muy personal, empleando en sus creaciones materiales variados, que van desde la pintura acrílica, madera, arena, tela y cartón.

Sus temas suelen ser muy diversos y en sus obras se percibe de manera recurrente el empleo de símbolos y colores. Todo esto le permite explorar el mundo mágico-místico de donde extrae sus inspiraciones.

El crítico Fernando Vargas, miembro de la Sociedad Internacional de Críticos de arte AICA, afirma: “El arte de Luís Leonor sugiere una nueva mirada sobre lo corpóreo. Un imaginario de luces abstractas atravesadas por un fuerte colorido figurativo de distancias señaladas por arquetipos míticos. La conciliación de lo ancestral con lo mestizo en una conjunción renovadora. Rituales de lo arcaico en un medio postmoderno sugieren una relectura de lo caribeño en un carnaval de voces gráficas familiares al gran código de la pintura del Caribe. El sincretismo de las creencias en un universo en el cual todo es mixto, a estas raíces se une la influencia de grandes maestros como Paul Klee y Pablo Picasso”.

http://www.mercadosoc1.info/news/125/ARTICLE/4375/2010-11-03.html

Literatura infantil: arte y creación

2010-11-10T08:01:00.000-08:00

Por: Rafael Peralta Romero
Este artículo fue tomado de la revista TEXTOS, órgano de la Universidad Pedro Henríquez Ureña, edición Septiembre-Diciembre 2010 .-

Algunos estudiosos de la literatura infantil justifican emplear este recurso para inculcar en los niños y jóvenes el buen gusto, el sentido de la nobleza y de la justicia, la conciencia del deber ante el pueblo y el amor al trabajo.

Alga Marina Elizagaray, especialista cubana en literatura infantil, en su importante libro Niños, Autores y Libros, al pronunciarse decididamente contra el moralismo y el pedagogicismo, justifica la posibilidad de que la literatura infantil se ocupe de ese rol, pero lo condiciona a que la misma sea «verdadero arte y hable con el lenguaje de las imágenes y los sentimientos».

De modo que al hablar de educación en valores, ejes transversales, metas curriculares no se piensa en la literatura infantil, o sí puede pensarse en ella, pero sabiendo que esta es un acto de recreación estética, que lo primero para ella es conseguir que el niño encuentre en las palabras un instrumento de juego.

Esto de que el niño encuentre placer en la lectura, que la disfrute como un juguete, es una concepción ampliamente difundida y aceptada. Al respecto me permito traer una cita muy certera del especialista español Daniel Cassany:

«La lectura por placer significa, en primer lugar, buscar textos que interesen a los alumnos y que hablen de sus problemas.

Significa fomentar la literatura infantil y juvenil. Significa también no obligar a los niños a leer este libro o el otro, sino dejar que ellos elijan. Y permitir, que si no les gusta, lo dejen y vayan a otro libro. Es decir, actuar de la misma forma en la que actuamos los adultos».

Lo dicho por Cassany, que no es literato, sino educador, es parte de un reclamo universal en el sentido de que las obras literarias se oferten a los niños como parte del recreo, del momento ameno. La lectura debe constituir para los niños un ejercicio de libertad y disfrute.

El estado natural del niño es la libertad, no tiene por qué padecer un minuto de opresión. El juego es una auténtica expresión de esa libertad, la lectura debería complementarla. Cuando padres y maestros olvidan que la principal ocupación de un niño es el juego las cosas andan mal y por ahí entran las restricciones y prohibiciones, que a menudo dejan en el niño una secuela fatal.

Nada menos que Sigmund Freud, a principios del siglo XX, se refería a este asunto señalando que: “Cuando el niño aprende el vocabulario de su lengua materna, se complace en experimentar con ese patrimonio de una manera lúdica.

Acopla las palabras sin preocuparse por su sentido, para gozar del placer del ritmo y de la rima”.

Aserrín, aserrán
Los maderos de San Juan
Comen queso, comen pan.
Los de Juan comen pan.
Los de Pedro majan hierro,
Los de Enrique, alfeñique.
Y los otros triqui, triqui.

Esta cancioncilla da la razón al sabio austríaco. ¿Qué es lo que predomina en ella? La igualdad de sonidos, pues si la vemos desde el punto de vista del contenido, poco encontraremos en ella… y de moraleja, nada. La intención ideológica varía de acuerdo a muy diferentes circunstancias.

En muchos casos, la obra infantil está impregnada de intención moralizante porque el autor lo ha querido así, eso es lo que él o ella ha sentido, sin que nadie se lo haya exigido. Ahora, una verdad incuestionable está en el medio de esto: la creación literaria resultará disminuida si se le somete a un plan estratégico para divulgar determinada ideología.

Me luce que en los mediadores entre el niño y el libro hay mucho miedo a presentar un texto sólo como instrumento para jugar. Todos entendemos, al parecer, que si el libro no educa o no ayuda al niño a ser mejor, el libro no tiene razón de ser. De ahí tal vez el miedo que se aprecia entre maestros y editores para motivar a los otros grandes mediadores, padres y madres, al momento de ofrecerle un libro destinado a los menores.

El requisito indispensable para la buena literatura infantil es la fantasía, el poder de acompañar a los niños en su ocupación por excelencia, que es el juego. La imaginación es parte integral del ser humano equilibrado... «nada puede el hombre sin la imaginación», ha dicho Aristóteles.

El pedagogicismo en la literatura infantil ha sido definido, con toda lógica, como una patología de la educación, y conduce a ¿o se origina? en un manejo torpe de la pedagogía. Debemos suponer que quienes insisten en esto ignoran que con ello echan a perder la posibilidad de sacar utilidades del libro para lograr los objetivos de la educación. Jamás el didactismo debe figurar como ingrediente clave en la creación literaria para niños.

Gianni Rodari, autor de obras para niños y del excelente libro Gramática de la fantasía, defiende hasta lo último el derecho del niño a disfrutar de los libros.
Veamos sus palabras:

«La literatura infantil, en sus inicios sierva de la pedagogía y de la didáctica, se dirigía al niño escolar que es un niño artificial, de uniforme, mensurable, según criterios meramente escolares basados en el rendimiento, en la conducta,en la capacidad de adecuarse al modelo escolar …El niño que juega se defiende como puede de esa literatura edificante. Se encarama al estante del adulto y le roba las obras maestras de la imaginación…»

Que la literatura infantil se estudie en maestrías, licenciaturas y diplomados, que sea parte de los estudios pedagógicos, nos ha de parecer bien a todos, a fin de cuentas los maestros resultan mediadores de primera importancia entre la literatura infantil y su público, que son los niños y jóvenes. Ponderar, promover, recomendar, justificar el libro infantil siempre será válido.

El maestro hace muy bien con ayudar a que niños y jóvenes amen y disfruten la literatura, y eso se logra presentándola como un escape más que como una tarea. No sé dónde aprendí una magnífica sentencia de Jorge Luis Borges sobre este asunto: «No se puede hablar de lectura obligatoria, sería como hablar de felicidad obligatoria».

Reina Peregrina: Una jóven de la alta sociedad, convertida en meretriz

2010-11-08T16:20:00.000-08:00

Por: Ramón Perdomo

SAN PEDRO DE MACORIS.- Con la presencia de un buen número de ciudadanos de la Sultana del Este, el banquero, escritor y doctor en Derecho Freddy Reyes, presentó su novela Reina Peregrina, en el auditorio de la Universidad Central del Este, argumentada en el bolero de la autoria del compositor Bienvenido Brens: Peregrina sin amor.

La actividad se inició con los comentarios del siquiatra petromacorisano César Mella, quien analizó el entorno en donde se desarrolla la obra y las condiciones que rodearon la protagonista de la obra, señalando además las condiciones políticas que rodeaban la sociedad en aquellos tiempos.

Le siguió, el reconocido médico petromacorisano Carlos Juan Musa Hazim, quien comentó las causas que provocaron a la protagonista el cambiar de una vida de linaje que llevaba con sus padres, a una vida de libre relación sexual, al instalarse en uno de los reconocidos cabarets de la zona de toleranacia de entonces conocida con el nombre de La Arena.

El conocido cantante dominicano Fernando Casado, quien conociera la protagonista de la obra Reina Peregrina, narró las circunstancias en que la conoció en la ciudad de Miami y luego sus emociones al ella venir a vivir a la República Dominicana. Más adelante aparece la ponencia completa del referido artista dominicano.

El turno fue para el escritor Freddy Reyes, quien acalró que el argumento de la novela está basado en la inspiración que tuviea Bienvenido Brens en la composición musical Peregrina sin amor, la que escribiera en el mismo cabarets donde prestaba sus servicios la doncella descarriada, en el sector de La Arena.

El Rector magnifico de la Universidad Central del Este, Doctor José Hazim Frappier, agradeció el gesto del petromacorisano, en presentar la obra en ese centro de estudios, que celebra sus 40 años de fundación y dio a conocer parte de lso proyectos puestos en ejecusión por esa universidad.

En el acto estuvieron presentes el alcalde (síndico) Ramón antonio Echavarria Peguero (Tony), el Gobernador Civil alcibíades Tavarez, así como escritores y amantes de la cultura de San Pedro de Macoris. El maestro de ceremonia fue el reconocido comunicador Elis Pérez.

EL ULTIMO AMANTE…

2010-11-08T14:10:00.000-08:00

Por:Fernando Casado

Comenario realizado a la novela Reina Peregrina en el auditorio de la Universidad Central del Este (UCE)

La vida… suele parecer novela. A veces… todo un drama. Cada uno de nosotros, minuto a minuto, cultiva, entreteje, construye, sin proponérselo, el entramado feliz o desgraciado, de nuestra particular novela. Es, desde ese viejo baúl casi oculto, ese tesoro inagotable de vivencias y fantasías del ser, de rostros y tragedias, cambiante de colores o perfumes, mutante de matices o de abismos, experiencias que transitan sin diseño ni prejuicios, que trillan sinuosos los atajos del camino, desde el harapo degradante o el estercolero humilde, hasta las alcobas de cortinajes nobles, de diademas y catedrales puras. Desde allí, el prestidigitador de sueños atrevidos, ese ser de osadía iluminada que es el escritor, con su magia de imágenes de olores agridulces, de pesadillas alucinantes, suele magnificar ese gris incoloro y rutinario de la realidad cotidiana, y orquestarlo en una sinfonía trascendental, en pinceles alados, en poesía vibrante, en heroico drama sublimado, arrobando el espíritu o sembrando y marcando de sentimientos y matices nunca adivinados ni presentidos, fertilizando el surco y el rostro novelesco en que se va tornando, inevitablemente, cada destino. Es, el espectáculo del alma. Privilegio del arte y el artista.

Convertir lo común en trascendente, la ordinaria biografía en leyenda. Solo los escogidos pueden lograrlo. Arte es eslabón sutil entre hombre y Dios. Son aquellos, quienes han transformado vidas intrascendentes, en paradigmas de fantasías y sueños. Históricos ahijados del azar. El valor de leyenda de un Rubirosa fálico y promiscuo, no está en el oportunismo de bragueta curiosa que lo retrata, está más cerca del macho simbólico, que vibra sin rostro en el pensamiento visceral de nuestra cultura y tradición. Lo que quisiéramos ser, no es un Rúbi entre los muslos tibios de una cuenta de banco, para sobrevivir por encima del estigma de cualquier “chulo” de cabaret. Es el personaje de conquistador mítico, el “Trujillo-Padrote” que está detrás de la leyenda de nuestras sombras culturales antiguas. Lo que nos hace sonreír, comprensivos, es lo que aquellos soñadores de la palabra y las ideas líricas, han bordado alrededor de imágenes robadas al tiempo, mitificando sus huellas estridentes o convirtiendo sus aristas polvosas en leyendas.

El arte transforma y es hermoso que así sea. Huele mejor el perfume atrevido de los libros y las poesías, los pinceles y los cantos, que el currículum morboso que vamos arrastrando en la carreta rebosante y en la huella imborrable de nuestras pisadas lodosas. Crudeza y ordinariez, se quedan colgadas entre las crónicas incoloras o explosivas del periódico que colecciona el sufrimiento diario, las anécdotas de callejones sin rostros que guardan el futuro, o se entierran irrecuperables, sin cirios ni dolientes.

Bienvenido Brens sintió lo que otros no pudieron percibir. Para aquellos, era solo mujer de cuerpo y vida alucinante, de caprichos consentidos, lecho estridente y apetecible. El creó, un cielo más allá del abismo, anidó golondrinas y mares, sobre un ocaso de nubarrones tristes y soles inalcanzables. Desnudó la belleza escondida de sus flores trágicas, inventó el vértigo eterno de aquel perfume letal inolvidable. Por encima de la tragedia ebria y degradante, soterrada en la maraña intranquila de una niñez perturbada, la espuma del verso refrescante, desbordando con pesar infinito la poesía noble, derramo el acorde angustiado de su pena, a la orilla enferma del primer sollozo, encordado a su guitarra peregrina: “Pobrecita golondrina, que aventuras por los mares del champan y del dolor…”. Su tragedia, sufrimientos, dolores avergonzados, humillaciones y lágrimas, marginaciones, mezquindades y miradas de desprecio, soledades, rezos amargos y esperanzas, quedaron para siempre lapidados en una fina escultura clásica de la canción popular.

Freddy Reyes, apasionado y vibrante, inevitablemente poético, con su alforja de luces y un cielo inmenso para las mil alas y el vuelo irreverente de aquella singular y ya eterna “Peregrina sin Amor”, nos esculpe con íntima y humana intensidad, el drama mítico de aquella codiciada inalcanzable. Su obra: “Reyna Peregrina”, trasciende a la enfática estribación de Novela. Con aquel mismo incienso mágico que contagió las fiebres de Brens, la estatura desbocada Freddy Reyes consagra el mito y lo convierte en leyenda.

Conocí a la heroína. Aquella que vivió sin cobardías. Eran sus últimos años de ilusiones mansas y discretas. En el pequeño pueblo de Homestead, al sur tranquilo de Miami. Un curioso admirador me descubrió, mientras arriesgaba mi temerario trote de ejercicios diarios. Me invitó a una breve tenida que celebrarían al día siguiente. Al llegar, fui introducido hasta una atrayente dama de canas posadas sobre sueños y un rostro de rubores sinceros. Sin saber que arriesgaba la serenidad de mis recuerdos, tome la historia aun tibia de una mano extendida y sentí la fuerza de unos ojos de cielo y tormenta de mar. Acepté el reto y devolví mi nombre, aun con las alas prisioneras de su mano enjauladas en la mía, como delicada mariposa. Sentada cual una reina, con esbeltez de majestades, respondió: “Yo soy…” y me entregó, cual trofeo tormentoso y centelleante, la historia codiciada de su nombre. Quede galvanizado. Fue como si toda ella se hubiese iluminado. Jugué galante con el color perfumado de las palabras: “¡Usted es toda una leyenda!”. Ocupe el asiento a su lado y me hice dueño atrevido de su inteligencia y su magia mundana. Aun a esas edades, su personalidad trascendía carismática, inevitablemente atractiva, había una elocuencia de mujer edénica de la que uno no podía librarse.

Dimos vida a aquella relación casual. Conversábamos a diario por teléfono con un estilo romántico de viejos conocidos, salpicado de recuerdos y esperanzas tranquilas. Me confió sus quebrantos, estaba luchando contra una enfermedad imposible. Su familia decidió trasladarla a Santo Domingo. Dos veces conversé con ella mientras estuvo acá. Sentía que algo, por encima de mí, me obligaba a su contacto, pero mis quebrantos me forzaban a viajar. Al regreso llamé… me respondió el silencio… enfermo de presagios, no tuve valor para insistir. Temía enfrentar los abismos; que alguien, mordiendo la tragedia, lastimase mis recuerdos limpios y musitara entre sollozos… que había muerto. Romántico enfermizo, permítanme conservar la ilusión y pensar que fui… su último amante.

Música: Duke Ellington y la época dorada del jazz

2010-11-07T12:54:00.000-08:00

Edward Kennedy "Duke" Ellington, nació en el seno de una familia que nunca pasó necesidades económicas ya que su padre era mayordomo de una casa de gente adinerada y su madre procedía de una familia negra acomodada. Recibió además de una excelente educación burguesa un porte de elegancia aristocrática que llevaría durante toda su vida, de ahí el apodo de "Duke" (Duque) que le pusieron sus amigos. Su educación musical empezó con el piano de su madre y aunque recibe clases de dos profesores, todavía tardaría bastante tiempo en aprender a leer música. En 1919 abandona los estudios de diseño y decoración, decide casarse con una amiga de la infancia y busca en la música su profesión.

Es en 1921 cuando Duke Ellington forma su primer y propio grupo con músicos locales al que llamaría "The Duke's Serenaders" primero, y luego los famosos "The Washingtonians" con Elmer Snowden, como responsable de la banda. En 1923 deciden dar el salto a New York y la experiencia no es muy positiva pero logran tocar durante algunas semanas en la banda de Wilbur Sweatman, que actuaba en el "Lafayette Theatre". Tras algunas idas y venidas de Washington a la Gran Manzana, consiguen un contrato en el club "Hollywood", donde una noche los escucha tocar Bix Beiderbecke quien observa con gran atención el sonido de la sordina "wa-wa" que producen el trompetista, Bubber Miley y el trombonista, Charlie Irvis. Ese particular sonido sería decisivo en la elaboración del discurso musical de Duke Ellington.

En 1924, con los conocimientos musicales muy perfeccionados, la WHN, una emisora de radio local transmite el show desde el Hollywood club que ahora ha cambiado de nombre y se llama "Kentucky Club". La banda comienza a ser conocida y empiezan a salirle contratos en otras ciudades cercanas a New York. Entre 1924 y 1926 se incorporan a la banda músicos decisivos en la orquesta de Ellington, entre ellos, temporalmente el clarinetista, Sidney Bechet y el saxo barítono, Harry Carney, el primer gran especialista de ese instrumento en la historia del jazz y que permanecerá con Ellington toda su vida. Esta es la orquesta que en 1927, con una sólida formación, bien rodada y con sonido propio, daría el gran salto a la fama cuando fueron contratados para tocar en el "Cotton Club" de Harlem, un local regentado por el gangster Owney Madden, desde 1923 y que se había puesto de moda en New York hasta el punto que era frecuentado por público exclusivamente blanco, gente de dinero y de la alta sociedad neoyorquina. Allí estuvo cuatro años y cuando salió en 1931, estaba recubierto de gloria.

Entre 1927 y 1945, después de crear para el jazz el "jungle style" Duke Ellington y su orquesta alcanzan en este período la cumbre de su madurez artística y creativa. La orquesta de Duke Ellington en los años cuarenta era sin duda la que poseía los mejores solistas y los instrumentistas más virtuosos de la época y la revista Down Beat le situó en varias ocasiones por refrendo popular por encima incluso de la de Benny Goodman. Tras el declive de las bigbands, Ellington fue el único líder de orquesta que nunca disolvió la suya. A falta de contratos pagaba a sus músicos con los dineros ingresados por sus derechos de autor y utilizaba su orquesta para componer con ella y oír su música. Pero algunos de sus solistas se marcharon entre finales de la década de los cuarenta y principios de los cincuenta para iniciar sus carreras en solitario. A la marcha de Ben Webster, Barney Bigard, Tizol y otros, se unió una definitiva en 1951, la de su amigo, Johnny Hodges. La prensa que antes no le escatimaba elogios, anunciaba casi a diario la desaparición de la orquesta.

En 1955 vuelve a la banda Johnny Hodges y Ellington respira aliviado y entran en nómina una serie de músicos que darían todavía mucho juego al sonido Ellington. Entre las incorporaciones más sonadas, están los saxofonistas, Paul Gonsalves y Jimmy Hamilton, el clarinetista, Russell Procope, el trombonista, Quenti Jackson, y los trompetistas, Cat Anderson y Clark Terry. Con estos músicos y cierto escepticismo, Ellington es invitado a actuar en el Festival de Jazz de Newport de 1956. Lo que pasó aquella noche está escrito en los anales del jazz. Duke Ellington, sacó de su chistera creativa dos temas compuestos en 1937, "Diminuendo in Blue" y "Crescendo in blue" y decidió encima del escenario servirlos unidos, separándolos simplemente con un interludio a cargo de Gonsalves. Y ahí se produjo el milagro. Los arrolladores veintisiete "chorus" seguidos de jazz puro y duro que improvisó el saxofonista, empujado por una rítmica ejemplar le dieron la vuelta a la historia. Las sillas volaban por encima de las cabezas de los atónitos y rugientes espectadores y a la mañana siguiente toda la prensa anunciaba en grandes titulares "Ellington ha vuelto".

A partir de ahí comenzaron las giras, los conciertos por todo el mundo, los discos grabados y en los últimos diez años de su vida se dedicó a componer suites y conciertos sacros y su vida se apagó cuando el 24 de mayo de 1974 un cáncer terminó con su vida. Ellington ocupa para siempre el trono de los más grandes creadores del jazz junto a Louis Armstrong y Charlie Parker, y es sin duda alguna uno de los más grandes compositores del Siglo XX, cualquiera que sea la música que se considere y su legado es una herencia cultural que permanecerá siempre entre nosotros.http://cultural.argenpress.info/2010/11/musica-duke-ellington-y-la-epoca-dorada.html

MACORISDIGITAL: Será artístico y cultural

2010-11-06T12:23:00.000-07:00

SAN PEDRO DE MACORIS.-El periodista Ramón Perdomo, aún propietario de éste blogs, anuncia el relanzamiento de este medio, pero con la intención de divulgar las informaciones culturales y artísticas de San Pedro de Macorís, la Región Este y el país. Así como la publicación de trabajos literarios que lleguen a nuestro correo electrónico de cualquier parte del mundo.

MACORISDIGITAL, fue creado en principio para dar informaciones o noticias generales y de interés para nuestros lectores, pero debido a la gran cantidad de medios que se han creado con esa intención, hemos optado por variar nuestra línea noticiosa, primero para no caer en competencia con nuestros colegas coterráneos e insignificantes repeticiones, y segundo para dar difusión a informaciones que no sean comunes y corrientes.

Hoy más que nunca, los trabajadores de la cultura, entiéndase escritores -poetas, narradores, ensayistas, dramaturgos-; así como artistas del pincel, músicos, ejecutantes de la danza y otros, no cuentan con el verdadero respaldo que necesitan, debido a la inmediatez que se ha creado en la sociedad, en donde "nada es nada" y todo es lo que consumimos o lo que poseemos para consumir.

MACORISDIGITAL, sin banderías políticas partidista, estará a la disposición de los mejores intereses del arte y la cultura, sin importar si el director del medio esté de acuerdo o no con lo expresado, pero con el único norte de que sea lo mejor para todos.

Los de la izquierda, los del gobierno (no importa que sean reeleccionistas o no), los opositores al gobierno, los de derecha extrema, los comunistas (si es que quedan en el país), los trokistas, los extremistas de izquierda, fundamentalistas, los ateos, los cristianos, los judíos, los musulmanes; todos tienen cabida en este blogs...La suerte esta echada.

García Márquez: Enfrenta a los gramáticos

2010-11-06T12:10:00.000-07:00

El escritor Gabriel García Márquez considera «natural» la reacción de los gramáticos, lingüistas y académicos a su discurso de Zacatecas (Botella al mar para el dios de las palabras): «Sería absurdo que los que guardan la virginidad de la lengua estuvieran contra sí mismos. Pero la mayoría parece haber hablado sin conocer el texto completo de mi discurso, sino sólo fragmentos más o menos desfigurados en despachos de agencias. En todo caso es increíble que a la hora de la verdad hasta los más liberales sean tan conservadores».

Estos días hemos oído en muchas ocasiones que el escritor colombiano había pedido suprimir la gramática. Su discurso no lo dice.

«Dije que la gramática debería simplificarse, y este verbo, según el Diccionario de la Academia, significa 'hacer más sencilla, más fácil o menos complicada una cosa'. Pasando por alto el hecho de que esa definición dice tres veces lo mismo, es muy distinto lo que dije que lo que dicen que dije. También dije que humanicemos las leyes de la gramática. Y humanizar, según el mismo diccionario, tiene dos acepciones. La primera: 'hacer a alguien o algo humano, familiar o afable'. La segunda, en pronominal: 'Ablandarse, desenojarse, hacerse benigno'. «¿Dónde está el pecado?», se pregunta.

El siguiente punto de contestación a las palabras de García Márquez es el ortográfico. Parte del supuesto de que si a él le hiciesen un examen de gramática, le reprobarían «en toda línea».

«Además, mi ortografía me la corrigen los correctores de pruebas. Si fuera un hombre de mala fe diría que ésta es una demostración más de que la gramática no sirve para nada. Sin embargo la justicia es otra: si cometo pocos errores gramaticales es porque he aprendido a escribir leyendo al derecho y al revés a los autores que inventaron la literatura española y a los que siguen inventándola porque aprendieron con aquellos. No hay otra manera de aprender a escribir».

En toda la conversación, el Nobel de Literatura reivindica su papel de escritor y como tal, piensa «más en el sufrimiento de la gente que en la pureza del lenguaje».
«Por eso dije y repito que debería jubilarse la ortografía. Me refiero, por supuesto, a la ortografía vigente, como una consecuencia inmediata de la humanización general de la gramática. No dije que se elimine la letra hache, sino las haches rupestres. Es decir, las que nos vienen de la edad de piedra. No muchas otras, que todavía tienen algún sentido, o alguna función importante, como en la conformación del sonido che, que por fortuna desapareció como letra independiente».

Quizá el mayor escándalo se ha formado con sus propuestas respecto a las bes y las uves, y con los acentos.

Sobre las primeras, dice: «No faltan los cursis de salón o de radio y televisión que pronuncian la be y la ve como labiales o labidentales, al igual que en las otras letras romances. Pero nunca dije que se eliminara una de las dos, sino que señalé el caso con la esperanza de que se busque algún remedio para otro de los más grandes tormentos de la escuela. Tampoco dije que se eliminara la ge o la jota. Juan Ramón Jiménez reemplazó la ge por la jota, cuando sonaba como tal, y no sirvió de nada. Lo que sugerí es más difícil de hacer pero más necesario: que se firme un tratado de límites entre las dos para que se sepa dónde va cada una».

En cuanto los acentos, irónico, explica.
«Creo que lo más conservador que he dicho en mi vida fue lo que dije sobre ellos: pongamos más uso de razón en los acentos escritos. Como están hoy, con perdón de los señores puristas, no tienen ninguna lógica. Y lo único que se está logrando con estas leyes marciales es que los estudiantes odien el idioma».

García Márquez opina que los gramáticos y los escritores son oficios distintos. Su diferente dialéctica es la que ha generado el debate.

«La raíz de esta falsa polémica es que somos los escritores, y no los gramáticos y lingüistas, quienes tenemos el oficio feliz de enfrentarnos y embarrarnos con el lenguaje todos los días de nuestras vidas. Somos los que sufrimos con sus camisas de fuerza y cinturones de castidad. A veces nos asfixiamos, y nos salimos por la tangente con algo que parece arbitrario, o apelamos a la sabiduría callejera».

«Por ejemplo: he dicho en mi discurso que la palabra condoliente no existe. Existen el verbo condoler y el sustantivo doliente , que es el que recibe las condolencias . Pero los que las dan no tienen nombre. Yo lo resolví para mí en El General en su laberinto con una palabra sin inventar: condolientes . Se me ha reprochado también que en tres libros he usado la palabra átimo, que es italiana derivada del latín, pero que no pasó al castellano. Además, en mis últimos seis libros no he usado un sólo adverbio de modo terminado en mente, porque me parecen feos, largos y fáciles, y casi siempre que se eluden se encuentran formas bellas y originales».

El escritor, que está de excelente humor, concluye la conversación de un modo muy expresivo.
«El deber de los escritores no es conservar el lenguaje sino abrirle camino en la historia. Los gramáticos revientan de ira con nuestros desatinos pero los del siglo siguiente los recogen como genialidades de la lengua. De modo que tranquilos todos: no hay pleito. Nos vemos en el tercer milenio». Y reitera sus palabras de Zacatecas: «Simplifiquemos la gramática antes de que la gramática termine por simplificarnos a nosotros».

Miguel Hernández: Poesía que no cesa

2010-11-06T11:56:00.000-07:00

Es innegable la influencia que ha ejercido la poesía española en la literatura latinoamericana, especialmente en los primeros años del siglo veinte, cuando el modernismo impulsado por Rubén Darío renovaba el lenguaje poético en castellano, se despercudía del simbolismo francés, alcanzaba expresiones superlativas como la poesía de César Vallejo, Jorge Luis Borges o el joven Pablo Neruda y se extendía y abría paso entre las letras universales, en medio, todavía, del vanguardismo, el surrealismo y de otras formas menores de expresión y estilos.

Esa influencia innegable y fortalecedora en un continente lingüístico, que se debatía entre los azares del indigenismo y revaloraciones de una identidad más viva de lo que se pensaba, y por ende más influyente en la concepción de la cultura, la política, la filosofía y las ciencias sociales, se hizo, sin embargo, débil frente al torrente avasallador de nuevas concepciones poéticas, nacidas ya en territorio latinoamericano.

Pero en la década de los años treinta, cuando ya Vallejo había publicado Trilce, Neruda sus veinte poemas de amor, por ejemplo, el indigenismo recorría América desde Puno y Cusco, y Octavio Paz se incorporaba al complejo esquema poético latinoamericano, en España aparece, fulgurante, como el título de uno de sus libros (El rayo que no cesa) un poeta que habría de vivir lo suficiente como para iluminar la poesía en castellano, Miguel Hernández.

Como la de muchos poetas iluminados, la vida de Hernández fue un tormento. Nacido un 30 de octubre de hace cien años en un pueblito llamado Orihuela, murió 31 años después en un sanatorio de Alicante, mientras sufría prisión por defender la República. A esta breve biografía deberíamos añadir que en solo diez años publicó cuatro libros de poesía y teatro, se casó y tuvo dos hijos, uno de ellos murió aún siendo bebe; se alistó en las milicias que el dictador Franco venció y después de apresarlo lo condenó a muerte. Al conmutársele la pena fue la tuberculosis la que no entendió razones.

La poesía de Miguel Hernández no solo renovó el lenguaje y la estética que los españoles de la denominada Generación del 27 acababan de fundar, sino que resultó ser la más influyente en las nuevas miradas poéticas que se forjaban al rayarla primera mitad del siglo. Poetas como Ernesto Cardenal o Mario Benedetti habrían de reconocer luego la enorme deuda que contrajeron con la poesía de Hernández. Incluso, pasando el tiempo, trovadores y poetas ya de las décadas del sesenta y setenta, reflejarían en sus cantos y poemas ese espíritu juvenil, revolucionario y lírico que transmite la obra del miliciano.

Hijo de una familia humilde dedicada al pastoreo y crianza de animales, tuvo la suerte de acceder a una educación básica donde descubrió, desde muy temprano, la lectura de los clásicos. Intenta en un primer viaje a Madrid conseguir trabajo y trabar amistades, no lo logra, sino en su segunda visita, cuando conoce a Vicente Aleixandre y Pablo Neruda, se reúne con los miembros de la Generación del 27, pero tiene que volver a su ciudad natal, donde conserva un amor de juventud. Publica en 1933 “Perito en lunas” con prólogo de su entrañable amigo de infancia Ramón Sijé, quien sería protagonista de otro momento doloroso del poeta, ya que muere en 1935.

Sin embargo esta muerte le inspiraría el poema “Elegía” e inmediatamente después despertaría elogios de Juan Ramón Jiménez. Publica en 1936 “El rayo que no cesa”, obra que debido a la corta vida del autor se convertiría en la mayor expresión de su poesía. Demuestra su dominio del soneto, la sutiliza del tema amoroso, expresa su compromiso político y ensaya un lenguaje con el que dejaba atrás las características de la famosa generación española para dar el paso a la nueva poesía de la media centuria, que se funda precisamente con la Generación del 36.

Estalla la Guerra Civil Española y sin pensarlo mucho Hernández se alista en las filas de los defensores de la República, ocupa varios cargos y se desplaza por varios frentes. Aprovecha para volver a Orihuela y casarse con Josefina Manresa, vuelve a los campos de batalla. Al terminar el conflicto es apresado y gracias a la intervención de amigos es liberado, tiene dos hijos, publica “Viento del pueblo, poesía en la guerra”, pero vuelve a ser detenido y condenado a muerte.
El resto es historia conocida. Pero lo importante de esta historia es la poesía de Hernández. Su aparición y súbita muerte parecen ser solo una justificación. Miguel Hernández ha prestado sus palabras para causas infinitas. No cabe confundir sus poemas revolucionarios con panfletarios; aquellos son expresión viva de su emoción, esperanza y experiencia y éstos suelen ser solo palabras subidas de tono: “Llegaron a las trincheras/ y dijeron firmemente:/ ¡Aquí echaremos raíces/ antes que nadie nos eche!/ Y la muerte se sintió/ orgullosa de tenerles”.

Pero también dijo: “¡Lunas! Como gobiernas, como bronces,/ siempre en mudanza, siempre dando vueltas./ Cuando me voy a la vereda, entonces/ las veo desfilar, libres, esbeltas./ Domesticando van mimbres, con ronces,/ mas con las bridas de los ojos sueltas,/ estas lunas que esgrimen, siempre a oscuras,/ las armas blancas de las dentaduras”.

Así, la poesía de Miguel Hernández cubre un universo personal y al mismo tiempo comunitario, abarca espacios y tiempos que no se limitan al que él experimenta, aunque de su vivencia del amor, la muerte, la soledad, la injusticia y la amistad se nutre cada palabra que instala en sus poemas. Su palabra es como su existencia, un rayo, una luz efímera que no deja de alumbrar.

http://cultural.argenpress.info/2010/11/miguel-hernandez-poesia-que-no-cesa.html